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Para expresArte
AUTOR:
DIRIGIDO A:
DURACIÓN:
Juan Carlos Bravo Hinojosa
Jóvenes y adultos
5 sesiones de 90 minutos
Introducción
La expresión creativa constituye una dimensión y un derecho fundamental de las
personas y la expresión artística una vía privilegiada para que todas las personas
y, de manera particular, quienes afrontan situaciones de exclusión y
vulnerabilidad, desarrollen esa dimensión y ejerzan ese derecho, de manera
individual y colectiva.
El arte constituye un espacio de expresión y desarrollo personal, encuentro,
participación social, trabajo, un espacio que permite a las personas trascender
barreras y dificultades de muy diverso tipo (relacionales, físicas, comunicativas…)
y comunicar socialmente, de manera eficaz, situaciones injustas, alternativas, etc.
De esta manera la inclusión, tiene que ver, no sólo con la modificación de
situaciones objetivas de exclusión (acceso a la educación, la salud, la vivienda, el
empleo, la información) sino con la generación de oportunidades para la expresión
del propio individuo que le permitan desarrollarse en toda su plenitud y participar,
activamente, en la sociedad, la cultura, etcétera.
El arte, entonces, entendido como un espacio de expresión, constituye una
herramienta para activar itinerarios de inclusión y camino para la transformación,
en un contexto de crisis que reclama identificar nuevas posibilidades de
intervención e incidencia, como la sensibilización, propuestas de alternativas,
promoción y defensa de derechos.
Objetivo
Propiciar entre los participantes el contacto con el arte y que a través de éste
puedan experimentar sus capacidades creativas y de expresión, que al
compartirlas en grupo, coadyuva a la integración, inclusión y sentido de
pertenencia, aspectos vitales para lograr la aceptación y entendimiento entre las
personas y la convivencia armónica.
Requerimientos
Papel Kraft
Frascos de pintura acrílica de diversos colores
Pliegos y trozos de papel (crepé, china, celofán, cartón)
Trozos de tela
Papel periódico y revistas de re-uso
Pegamento blanco
Pinceles, tijeras, navajas-cutters
Crayones, Gises de colores, Marcadores de agua
Plastilina o cualquier otro material para moldear
Cinta masking-tape
Pistas de audio (para música de fondo) y reproductor
Sesión 1
La creación como arte
Existen muchas clases y formas de expresión, y la expresión artística es de alguna
forma una respuesta a la necesidad de comunicar o expresar una idea o concepto
por parte del artista, algo que estos individuos quieren compartir con el resto del
mundo, más allá de la respuesta, reinterpretación, repercusión que tenga o hagan
los múltiples receptores de cualquier forma de expresión artística.
Mucha gente cree que la expresión artística se circunscribe solo a las artes
plásticas, pero el arte no se resume a eso solamente, sino a todo aquello que sirva
para representar un concepto, un estilo, un personaje de la ficción, una visión
particular, en todos los casos con un trasfondo de poder decir algo a través del
medio artístico.
Pueden ser muchas y distintas, las formas en las que se concibe y se describe el
arte y las creaciones artísticas en la sociedad, así tenemos la visión que lo plantea
como una forma de lenguaje, como un acto de comunicación del ser, otro punto de
vista propone la obra de arte como un objeto creado con la única intención de
generar efectos estéticos, vinculado con lo bello y placentero, y una tercera forma
que lo concibe como un acto significante, que además de comunicar, transmite
emociones valiéndose de la imagen, la música, la palabra, etc.
Se propone que para ésta y las demás sesiones se ponga a disposición de los
participantes todos los materiales enlistados al inicio a fin de que les permitas
libertad de acción y creación. Dispuestos los materiales, éstos también estimulan
su creatividad.
Al iniciar la sesión
Inicia hablando sobre la creatividad, qué es y cómo se concibe. Como introducción
al proceso creativo, parte de cómo los colores, los sabores, los sonidos, las
texturas, influyen en la lectura, pues transmiten información significativa que el ser
humano interioriza produciéndole evocaciones, recuerdos. El color azul produce
tranquilidad por ejemplo y podría recordarnos la infancia, la tierra mojada quizá
nos recuerda alguna aventura en particular que vivimos en determinado momento
de nuestra vida, o quizá tocar alguna tela podría evocar en nuestra mente la
vestimenta de algún ser querido.
Dinámica grupal
Así, pon música relajante y guíalos con ojos cerrados (pueden cubrirlos con algún
paliacate) hacia algún lugar específico: la playa, el bosque, una casa
abandonada… Durante este lapso puedes enriquecer con aromas, sabores
(probar un trocito de dulce) y texturas (que toquen telas, papel, naturaleza). Léeles
en voz alta alguna anécdota, un cuento que los inspire.
siguiente texto:
Margarita está linda la mar,
y el viento,
lleva esencia sutil de azahar;
yo siento
en el alma una alondra cantar;
tu acento:
Margarita, te voy a contar
un cuento:
Esto era un rey que tenía
un palacio de diamantes,
una tienda hecha de día
y un rebaño de elefantes,
un kiosko de malaquita,
un gran manto de tisú,
y una gentil princesita,
tan bonita,
Margarita,
tan bonita, como tú.
Una tarde, la princesa
vio una estrella aparecer;
la princesa era traviesa
y la quiso ir a coger.
La quería para hacerla
decorar un prendedor,
con un verso y una perla
y una pluma y una flor.
Las princesas primorosas
se parecen mucho a ti:
cortan lirios, cortan rosas,
cortan astros. Son así.
Pues se fue la niña bella,
bajo el cielo y sobre el mar,
a cortar la blanca estrella
Te proponemos el
que la hacía suspirar.
Y siguió camino arriba,
por la luna y más allá;
más lo malo es que ella iba
sin permiso de papá.
Cuando estuvo ya de vuelta
de los parques del Señor,
se miraba toda envuelta
en un dulce resplandor.
Y el rey dijo: “¿Qué te has hecho?
te he buscado y no te hallé;
y ¿qué tienes en el pecho
que encendido se te ve?”.
La princesa no mentía.
Y así, dijo la verdad:
“Fui a cortar la estrella mía
a la azul inmensidad”.
Y el rey clama: “¿No te he dicho
que el azul no hay que cortar?
¡Qué locura!, ¡Qué capricho!...
El Señor se va a enojar”.
Y ella dice: “No hubo intento;
yo me fui no sé por qué.
Por las olas por el viento
fui a la estrella y la corté”.
Y el papá dice enojado:
“Un castigo has de tener:
vuelve al cielo y lo robado
vas ahora a devolver”.
La princesa se entristece
por su dulce flor de luz,
cuando entonces aparece
sonriendo el Buen Jesús.
Y así dice: “En mis campiñas
esa rosa le ofrecí;
son mis flores de las niñas
que al soñar piensan en mí”.
Viste el rey pompas brillantes,
y luego hace desfilar
cuatrocientos elefantes
a la orilla de la mar.
La princesita está bella,
pues ya tiene el prendedor
en que lucen, con la estrella,
verso, perla, pluma y flor.
***
Margarita, está linda la mar,
y el viento
lleva esencia sutil de azahar:
tu aliento.
Ya que lejos de mí vas a estar,
guarda, niña, un gentil pensamiento
al que un día te quiso contar
un cuento.
Rubén Darío
Al finalizar, pídeles que evoquen algo que haya sido significativo, puede ser
personal o no, tal vez sea el resultado de lo que sintieron en esta experiencia.
Actividad creativa
Crearán un tapete-pintura sobre papel kraft con la técnica que quieran, algunos
quizá piensen en un collage pero lo importante no es que propiamente elaboren
dibujos o paisajes tal cual, sino que plasmen su sentir.
Cierre de sesión
Para finalizar, pide a los participantes que compartan su sentir e interpreten lo
realizado.
Sesión 2
Imaginación y fantasía
La imaginación es ese espacio virtual, abstracto de la mente donde podemos ir a
buscar soluciones a problemas, encontrar nuevos caminos de renovación, nuevas
estrategias de superación, el mundo de la imaginación nos maravilla, nos
fortalece, con la imaginación crecemos, inventamos, creamos, nos renovamos,
hacemos preguntas, surge la curiosidad, exploramos, vamos allá o vemos más
allá.
La imaginación de este mundo, permite tener en la mente un objeto que se ha
visualizado con anterioridad o crear algo nuevo sin ningún sustento real o al
imaginar, el ser humano manipula información de la memoria y convierte
elementos ya percibidos en una nueva realidad.
La imaginación también puede asociarse a la facilidad para desarrollar nuevos
proyectos o formar ideas novedosas, algunas personas al estimular su
imaginación, llegan por consecuencia a la creatividad.
Por otra parte, la fantasía también puede ser entendida como el grado superior de
la imaginación o el pensamiento ingenioso, estos pensamientos pueden plasmarse
en diversas expresiones artísticas.
La fantasía es un mundo de memoria emancipado del orden y del tiempo, de tal
forma que la fantasía es una posibilidad de desarrollo de las capacidades
creativas.
Actividad de lectura
Para esta sesión, se sugiere hablar de Ben Heine, pintor, caricaturista, fotógrafo,
artista multidisciplinar de origen belga; también puedes tomar como base otro
artista que tú conozcas.
Ben Heine
Ben Heine es un joven artista nacido en Costa de Marfil que actualmente vive en
Bélgica. Sus comienzos como caricaturista político le valieron una bien merecida
fama de activista y recibió algunas críticas por su visión, plasmada en algunas
imágenes, sobre Israel y el sionismo. Ha realizado estudios sobre pintura y
escultura en Hastings, Inglaterra, pero se considera un autodidacta en el dibujo y
la fotografía.
Su obra más extendida hasta ahora y que ya publicamos hace unos meses ha
sido “Lápiz vs Cámara“, que Heine describió como la consecuencia de la
exploración gráfica y donde mezcla con gran genialidad el dibujo y la fotografía.
Paralelamente a esta obra empezó a desarrollar una nueva técnica creativa,
mezcla personal entre Pop Art y puntillismo, obra que también presentamos en
estas páginas y que el ha denominado Digital Circlism. En este nuevo proyecto
hace, por lo general, retratos de celebridades ó de iconos culturales con
herramientas digitales, basados en miles de círculos, de tamaños y tonalidades
diferentes, que componen la imagen sobre un fondo negro, consiguiendo retratos
de gran fuerza.
Heine es un artista multidisciplinar y constantemente está investigando nuevas
formas de expresar su arte. Como muestra de su última incursión sobre la
fotografía conceptual en su trabajo juega con gran maestría con el color
consiguiendo fotografías espectaculares que transmiten emociones intensas y un
gran impacto visual, algo que está al alcance de muy pocos artistas.
Ben Heine es mostrado regularmente en las principales ferias de arte europeas y
ya ha expuesto en Turquía, Rumanía, Francia, Canadá, EE.UU., Alemania, Brasil,
Bélgica, Reino Unido, Corea del Sur y España.
La idea es aprender a interpretar su obra, es decir, haciendo lectura de imágenes
que tú les muestres. Como punto de partida para leer imágenes es bueno
preguntarse sobre qué personajes vemos, cómo es su sentir, por qué están
vestidos de determinada forma, qué piensan, en qué lugar están, cómo es ese
lugar, qué hora del día es o qué día es, cómo titularíamos la obra. Las respuestas
nos permiten interpretar y a partir de allí, analizar mejor los elementos que
integran una obra completa: materiales, formas, diseño.
Actividad creativa
Después de esta lectura, invítalos a elaborar un collage en equipos o, si tienes
pocos participantes puede ser individual. Lo importante en este collage es que
ellos finalmente presenten su trabajo y que los demás interpreten su obra.
Cierre de sesión
Para finalizar, invita a los participantes a que comenten su experiencia sobre el
poder del arte como un medio para plasmar emociones y pensamientos, y que
compartan con el resto del grupo lo que ellos a través del trabajo que hicieron
quisieron trasmitir.
Sesión 3
La inspiración
La inspiración está vinculada al estímulo espontáneo que surge en el interior de un
artista o creativo, la inspiración no aparece por esfuerzo o voluntad.
“La inspiración de este poema llegó al contemplar el mar”; esta acepción del
término que se está utilizando en lo que da lugar a la llamada inspiración artística,
la cual tiene su origen en la cultura helénica o en ella existía la figura de la musa
que se consideraba que era la diosa que “llevaba” a los artistas a realizar sus
distintas composiciones y trabajos, de tal forma en Grecia tenían nueve musas
que eran las fuentes de inspiración para poetas, músicos o pensadores, entre
otros.
Más allá de lo espontáneo de la inspiración, el sujeto puede contribuir a que ésta
aparezca, cada persona tiene sus propias formas de hacer surgir la inspiración.
De tal forma que la inspiración en la composición artística se asocia a un brote de
creatividad.
Así, la inspiración, surge desde lo interno, desde el corazón, desde el alma. La
inspiración genera irrealidad y es el origen de la creación de las ideas.
Actividad de lectura
Comparte con los participantes los siguientes textos sobre el surrealismo y el
pintor Mihai Criste. Al finalizar, comenten lo leído y que cada uno diga qué cosas
los inspiran.
El Surrealismo
El Surrealismo comienza en 1924 en París con la publicación del "Manifiesto
Surrealista" de André Breton, quien estimaba que la situación histórica de
posguerra exigía un arte nuevo que indagara en lo más profundo del ser humano
para comprender al hombre en su totalidad. Siendo conocedor de Freud pensó en
la posibilidad que ofrecía el psicoanálisis como método de creación artística.
Para los surrealistas la obra nace del automatismo puro, es decir, cualquier forma
de expresión en la que la mente no ejerza ningún tipo de control. Intentan plasmar
por medio de formas abstractas o figurativas simbólicas las imágenes de la
realidad más profunda del ser humano, el subconsciente y el mundo de los
sueños. Para lo que utilizan recursos como: animación de lo inanimado,
aislamiento de fragmentos anatómicos, elementos incongruentes, metamorfosis,
máquinas fantásticas, relaciones entre desnudos y maquinaria, evocación del
caos, representación de autómatas, de espasmos y de perspectivas vacías. El
pensamiento oculto y prohibido será una fuente de inspiración, en el erotismo
descubren realidades oníricas, y el sexo será tratado de forma impúdica.
Se interesaron además por el arte de los pueblos primitivos, el arte de los niños y
de los dementes. Preferirán los títulos largos, equívocos, misteriosos, lo que
significa que importaba más el asunto que la propia realización.
Precedentes
La meta surrealista y sus medios se remontan siglos antes al nacimiento del
movimiento. Basta citar a Hieronymus Bosch “El Bosco”, considerado el primer
artista surrealista, que en los siglos XV y XVI creó obras como El jardín de las
delicias o El carro de heno. Pero fue en el siglo XX cuando surgiría el nacimiento
de una vanguardia filosófica y artística que retomaría estos elementos y los
desarrollaría como nunca antes se había hecho.
Los pintores se encontraron con precedentes en Los caprichos de Goya, en “El
Bosco” como hemos mencionado y Valdés Leal, aunque los más inmediatos
deben buscarse en el movimiento Dadá y en Giorgio de Chirico, creador de la
pintura metafísica.
Chirico crea un mundo enigmático que es reflejo de la desolación provocada por la
guerra, que se percibe inquietante y desolador. En Héctor y Andrómeda, introduce
maniquíes, únicos seres capaces de habitar sus plazas desiertas y calles que se
sumergen en el infinito.
La pintura de Chirico es el principal antecedente del surrealismo. Observamos dos
vertientes. El surrealismo abstracto, donde artistas como Masson, Miró o Klee
crean universos figurativos personales a partir del automatismo más puro. Y Ernst,
Tanguy, Magritte o Dalí que se interesan más por la vía onírica, un surrealismo
figurativo cuyas obras exhiben un realismo fotográfico, aunque totalmente alejadas
de la pintura tradicional.
Primeros pasos
La primera fecha histórica del movimiento es 1916, año en que André Breton,
precursor, líder y gran pensador del movimiento, descubre las teorías de Sigmund
Freud y Alfred Jarry, además de conocer a Jacques Vache y a Guillaume
Apollinaire. Durante los siguientes años se da un confuso encuentro con el
dadaísmo, movimiento artístico precedido por Tristan Tzara, en el cual se
decantan las ideas de ambos movimientos. Estos, uno inclinado hacia la
destrucción nihilista (dadá) y el otro a la construcción romántica (surrealismo) se
sirvieron como catalizadores entre ellos durante su desarrollo.
En el año 1924 Breton escribe el primer Manifiesto Surrealista. Tal fue la definición
del término dada por los propios Breton y Soupault en el primer Manifiesto
Surrealista fechado en 1924. Surgió por tanto como un movimiento poético, en el
que pintura y escultura se conciben como consecuencias plásticas de la poesía.
En el surrealismo y la pintura, de 1928, Breton expone la psicología surrealista: el
inconsciente es la región del intelecto donde el ser humano no objetiva la realidad
sino que forma un todo con ella. El surrealismo propone trasladar esas imágenes
al mundo del arte por medio de una asociación mental libre, sin la intromisión
censora de la conciencia. De ahí que elija como método el automatismo,
recogiendo en buena medida el testigo de las prácticas mediúmnicas espiritistas.
Durante unas sesiones febriles de automatismo, Breton y Soupault escriben Los
Campos Magnéticos, primera muestra de las posibilidades de la escritura
automática, que publican en 1921.
El surrealismo tomó del dadaísmo algunas técnicas de fotografía y cinematografía
así como la fabricación de objetos. Extendieron el principio del collage (el “objeto
encontrado”) al ensamblaje de objetos incongruentes, como en los poemas
visibles de Max Ernst. Este último inventó el frottage (dibujos compuestos por el
roce de superficies rugosas contra el papel o el lienzo) y lo aplicó en grandes
obras como Historia Natural, pintada en París en 1926.
Otra de las nuevas actividades creadas por el surrealismo fue la llamada “cadáver
exquisito”, en la cual varios artistas dibujaban las distintas partes de una figura o
de un texto sin ver lo que el anterior había hecho pasándose el papel doblado. Las
criaturas resultantes pudieron servir de inspiración a Miró. Buscaron en las fuentes
de la represión psicológica (sueños, sexualidad) y social, con lo que la lírica se
rehumanizó después de que los ismos intelectualizados de las Vanguardias la
deshumanizaran, a excepción del Expresionismo. Para ello utilizaron los recursos
de la transcripción de sueños y la escritura automática, y engendraron
procedimientos metafóricos nuevos como la imagen visionaria.
Mihai Criste
Mihai Criste nació el 8 de octubre de 1975 en el condado de Hunedoara Deva en
Rumania. Ha participado en diversas exposiciones colectivas en Rumania,
Estados Unidos e Inglaterra, y ha ilustrado libros para niños como El mago de Oz
y Acerca de payasos, de Norman Manea.
La precisión con la que ha destacado sus obras surrealistas Mihai es
absolutamente fascinante y atrae inmediatamente la atención de los destinatarios.
A través de su obra que inspira el pensamiento se comunica con los símbolos, los
sueños y los cuentos que están detrás de nuestro mundo. Mihai Criste afirma: “Lo
bello en el arte es otra cosa que la esencia, la creación”.
A pesar de la influencia que destilan sus obras y que le acercan a los grandes
como Dalí y Magritte, Mihai Criste nos deja unas imágenes en óleo sobre lienzo de
esas que muchas veces nos gusta evocar por sus significados metafóricos que
exploran el subconsciente y provocan sensaciones dispares. Tal vez algo visto
pero no exento de cierta belleza, una implícita sencillez que nos devuelve a los
buenos momentos de sueños oníricos y fábulas mágicas.
Actividad creativa
Vamos a incursionar en el terreno del inconsciente porque se propone partir de la
obra del pintor surrealista rumano Mihai Criste, utilicen algunas de sus obras como
el motivo de inspiración para elaborar un esculto-retrato; recuerda que puedes
trabajar con cualquier otro artista que tú conozcas o que te guste, la intención es
que inspire al grupo a crear sus obras propias. Los participantes observarán cada
lienzo pero con la finalidad de trabajar una introspección.
Después de recrearse con las obras, dale a los participantes una hoja de papel y
diles que anoten sólo las respuestas a las preguntas que a continuación les harás.
Pon música relajante de fondo. Pídeles que inhalen y exhalen lentamente mientras
piensan y responden:
•
•
•
•
•
•
•
¿quién soy?
¿me identifico con algún ser de este mundo o fuera de este mundo?
¿con cuál?, ¿por qué?
¿qué me gusta hacer?
¿cuáles son mis anhelos, mis sueños, mis ilusiones principales, mis metas?
¿cómo imagino que me ve la gente a mi alrededor?
¿qué color es mi favorito y por qué?
Puedes agregar preguntas que ayuden a la creación de su obra. Se trata de
moldear en plastilina o cualquier otro material, una figura en la que converjan
todas las respuestas que escribieron. Ejemplos:
Cierre de sesión
Para concluir, pueden armar una exposición de los trabajos realizados y que cada
participante elija una obra diferente a la suya, que le haya gustado, y escriba en
unas cuantas líneas alguna crítica positiva, para después compartirla con el grupo
y regalársela al autor.
Sesión 4
Poéticamente creativos
A todas las personas interesadas en el tema de la creatividad nos ha intrigado
averiguar de dónde el poeta toma sus materiales, para conmovernos con ellos. Y,
puede considerarse que es en el niño donde se encuentran las primeras huellas
de quehacer poético, considerando que es en el juego en donde el niño se
comporta como poeta, ya que él crea un mundo propio, e integra elementos a su
mundo en un nuevo orden que le atrapa.
El poeta hace lo mismo que el niño que juega, pues crea su mundo de fantasía, el
que toma en serio, y lo llena de afecto, pero al mismo tiempo lo separa de la
realidad afectiva.
De la irrealidad del mundo poético derivan importantes consecuencias para la
técnica artística, pues muchas cosas, que de ser reales no depararían goce,
pueden, empero, depararlo en el juego de la fantasía.
Actividad de lectura
El posibilitarnos a la poesía, es un buen instrumento para tender a la creatividad.
Por lo que te sugerimos, a partir de jugar con el ritmo de la poesía, leer poemas a
los participantes y a partir de ellos crear poemas visuales. Te damos una pequeña
opción de poemas con diferentes temáticas, aunque tú puedes hacer tu propia
selección.
Amor mío, mi amor, amor hallado
de pronto en la ostra de la muerte.
Quiero comer contigo, estar, amar contigo,
quiero tocarte, verte.
Me lo digo, lo dicen en mi cuerpo
los hilos de mi sangre acostumbrada,
lo dice este dolor y mis zapatos
y mi boca y mi almohada.
Te quiero, amor, amor absurdamente,
tontamente, perdido, iluminado,
soñando rosas e inventando estrellas
y diciéndote adiós yendo a tu lado.
Te quiero desde el poste de la esquina,
desde la alfombra de ese cuarto a solas,
en las sábanas tibias de tu cuerpo
donde se duerme un agua de amapolas.
Cabellera del aire desvelado,
río de noche, platanar oscuro,
colmena ciega, amor desenterrado,
voy a seguir tus pasos hacia arriba,
de tus pies a tu muslo y tu costado.
Jaime Sabines
Quiero, a la sombra de un ala,
contar este cuento en flor:
la niña de Guatemala,
la que se murió de amor.
Eran de lirios los ramos;
y las orlas de reseda
y de jazmín; la enterramos
en una caja de seda...
Ella dio al desmemoriado
una almohadilla de olor;
él volvió, volvió casado;
ella se murió de amor.
Iban cargándola en andas
obispos y embajadores;
detrás iba el pueblo en tandas,
todo cargado de flores...
Ella, por volverlo a ver,
salió a verlo al mirador;
él volvió con su mujer,
ella se murió de amor.
Como de bronce candente,
al beso de despedida,
era su frente -¡la frente
que más he amado en mi vida!...
Se entró de tarde en el río,
la sacó muerta el doctor;
dicen que murió de frío,
yo sé que murió de amor.
Allí, en la bóveda helada,
la pusieron en dos bancos:
besé su mano afilada,
besé sus zapatos blancos.
Callado, al oscurecer,
me llamó el enterrador;
nunca más he vuelto a ver
a la que murió de amor.
José Martí
Yo canto lo que tú amabas, vida mía,
por si te acercas y escuchas, vida mía,
por si te acuerdas del mundo que viviste,
al atardecer yo canto, sombra mía.
Yo no quiero enmudecer, vida mía.
¿Cómo sin mi grito fiel me hallarías?
¿Cuál señal, cuál me declara, vida mía?
Soy la misma que fue tuya, vida mía.
Ni lenta ni trascordada ni perdida.
Acude al anochecer, vida mía;
ven recordando un canto, vida mía,
si la canción reconoces de aprendida
y si mi nombre recuerdas todavía.
Te espero sin plazo ni tiempo.
No temas noche, neblina ni aguacero.
Acude con sendero o sin sendero.
Llámame a donde tú eres, alma mía,
y marcha recto hacia mí, compañero.
Gabriela Mistral
Y fue a esa edad... Llegó la poesía
a buscarme. No sé, no sé de dónde
salió, de invierno o río.
No sé cómo ni cuándo,
no, no eran voces, no eran
palabras, ni silencio,
pero desde una calle me llamaba,
desde las ramas de la noche,
de pronto entre los otros,
entre fuegos violentos
o regresando solo,
allí estaba sin rostro
y me tocaba.
Yo no sabía qué decir, mi boca
no sabía
nombrar,
mis ojos eran ciegos,
y algo golpeaba en mi alma,
fiebre o alas perdidas,
y me fui haciendo solo,
descifrando
aquella quemadura,
y escribí la primera línea vaga,
vaga, sin cuerpo, pura
tontería,
pura sabiduría
del que no sabe nada,
y vi de pronto
el cielo
desgranado
y abierto,
planetas,
plantaciones palpitantes,
la sombra perforada,
acribillada
por flechas, fuego y flores,
la noche arrolladora, el universo.
Y yo, mínimo ser,
ebrio del gran vacío
constelado,
a semejanza, a imagen
del misterio,
me sentí parte pura
del abismo,
rodé con las estrellas,
mi corazón se desató en el viento.
Pablo Neruda
Actividad creativa
Para la realización de poemas visuales, dale la opción a los participantes de crear
a partir de lo que escuchan en el exterior y en el interior de su ser. Las
posibilidades son infinitas y pueden utilizar todos los materiales a su disposición.
Pon música de fondo mientras trabajan.
He aquí algunos ejemplos de poemas visuales:
Cierre de sesión
Cuando todos hayan terminado de hacer sus poemas visuales, para exhibirlos
pueden hacer un tendedero y colgarlos con pinzas para ropa, o bien hacer una
especie de móviles literarios. Las posibilidades son múltiples, y los propios
participantes pueden proponer otras formas para que la muestra sea lo más
creativa posible.
Sesión 5
Ingenio
El ingenio es concebido como una facultad de las personas, para inventar con
prontitud o solucionar algo con facilidad. El concepto está íntimamente asociado a
la intuición, la creatividad y el talento.
En la actualidad, resulta cada vez más difícil de identificar el ingenio en las
propuestas que nos rodean, estamos atravesando una era de exceso de
información y falta de asimilación de la misma.
Sin embargo, es quizás en las etapas más complicadas, que el individuo
encuentra el incentivo necesario para buscar nuevos rumbos y dar con una idea.
El ingenio se caracteriza por el efecto sorpresa que causa en quienes lo
presencian, dado que nace de un giro inesperado en los procesos mentales, de tal
manera que se llega a ligar a las cuestiones creativas.
El ingenio puede considerarse una propiedad de los individuos, que se encuentra
en diferentes proporciones en cada uno y que no aparece esporádicamente o
espontáneamente para nunca volver, sino que llega a formar parte de los rasgos
de la personalidad.
Actividad de lectura
Finalizaremos nuestro taller contando una historia a los participantes mientras
recreamos las imágenes con sombras humanas (si tienes las herramientas,
puedes mostrarles un video de sombras).
El origen del Teatro de Sombras
Se remonta a los tiempos del hombre prehistórico, cuando éste hacía sombras con
sus manos y su cuerpo frente al fuego de las cavernas. Ya en el siglo IV a. C. en
el Mito de la Caverna de Platón se nos presentan las sombras como indicadores
de la realidad que no son ellas, pero que suponen el continuo recuerdo y
referencia de esa realidad del ser. La sombra, a caballo entre lo real y lo ficticio,
entre el ser y el no ser, a medio camino entre lo mágico y lo religioso, suponen la
imagen más palpable del mundo de lo abstracto, del mundo de las ideas, de
aquello que trasciende lo que nuestros sentidos perciben.
Los orígenes del teatro de sombras los encontramos en la India y en China. En
India y después en Indonesia el titiritero de sombras era un hombre muy especial
llamado Dalang, era un artista sacerdote y al representar las epopeyas a través de
las sombras entraba en contacto con el mundo superior y restablecía el equilibrio
entre las fuerzas negativas y positivas de la comunidad. Por otro lado a través de
los mitos tenía la función de educar y transmitir valores al pueblo.
En Indonesia esta tradición se mantiene muy viva y continua estando ligada a los
rituales y a la unión y comunicación con la comunidad.
Las marionetas las fabrican con piel de búfalo y son figuras muy estilizadas y
caladas de distintos tamaños bellamente pintadas. Los personajes son héroes,
princesas, dioses, gigantes, animales...
La pantalla es de tela de lino y la luz que utilizan unas veces de lámpara de aceite
(fuego) y otras luz eléctrica.
“Hubo un tiempo en que todos los muñecos fueron dioses, ancestros que vieron el
origen del mundo para que se lo comunicaran a los mortales. Ellos vivieron como
sombras y de sus propias sombras nació el teatro de sombras.”
En China, una leyenda que representa para los chinos el origen del teatro de
sombras, cuenta que el emperador Wu-Ti, había perdido a su mujer Wang, por la
sentía un profundo amor. Cae en la más completa apatía. Todos en la corte
ensayan modos de devolverle el gusto por la vida, pero ni los juglares, ni los
bufones, ni los cocineros le podían hacer olvidar su tristeza.
Aparece entonces Sha-Wong, que se declara capaz de hacer revivir a la bella
Wang. Coloca al emperador ante una tela tendida entre dos postes y sobre la cual
hace aparecer unas sombras de su bien amada. Habla con el emperador de
recuerdos comunes... hasta que un día el emperador olvida la promesa de no
tocar la tela. Tira de la tela y descubre a Sha-Wong agitando una figura de mujer
delante de una lámpara. Comprende el montaje y monta en cólera.
Existen dos versiones del final: la primera es la muerte de Sha-Wong decapitado y
en la segunda se rinde homenaje al montador de sombras y el emperador hace
que siga con su arte.
El teatro de sombras chino es el único que incorpora decorados, mobiliario,
plantas, palacios y animales, reales o fantásticos. Las figuras son de piel de
camello o de buey. Al igual que en el resto de países, las representaciones tienen
carácter sagrado, y los personajes representan a los seres del más allá.
El teatro de sombras llegó a Europa a través de las rutas de evangelización de los
jesuitas. En 1772, Dominique Séraphin instaló su teatro de sombras en Versalles,
en el que cosechó grandes éxitos. Asimismo, las compañías de funambulistas y
cómicos italianas contribuyeron en gran medida a difundir este tipo de teatro por
toda Europa.
En Europa, el teatro de sombras aparece en el siglo XVIII en Francia con la
romántica fascinación de las siluetas negras y revivió a principios del siglo XX en
el Cabaret del Chat Noir a con el teatro Seraphin.
En Europa el teatro de sombras experimental se desarrolló en Alemania por un
grupo de artistas entre los que estaba Lotte Reininger y unen el teatro de sombras
con el cine, el origen de la animación.
La sombra representa en casi todas las culturas el alma como ente separable del
cuerpo y capaz de sobrevivirlo. Representa la fuerza oculta o espiritual de las
cosas, su aura.
La sombra equivale a magia, a los sueños, al subconsciente, a la muerte, al más
allá, al alma, al espíritu. Sus formas inestables y siempre cambiantes son una
invitación al juego imaginativo y creativo, una constante estimulación de la
fantasía.
Es por ello que las sombras representan historias con una fuerte carga fantástica,
por sus posibilidades de insinuar sin dejar ver, de deformar la realidad y dotarla de
unas características que en otros medios sería difícil de conseguir.
La sombra nos traslada a un mundo informe, no creado, en donde se reflejan
nuestras pasiones, nuestros miedos, nuestras divisiones interiores.
Está en un plano intocable, inalcanzable. Para ejercer cualquier efecto sobre ella,
es imposible dirigirse a ésta de forma directa. Todo es sutil, es aparente, es de
una causalidad superior. La sombra no se deforma directamente sino que se debe
deformar el cuerpo o la fuente de luz que la manifiestan. La sombra sólo es
tocable en otra dimensión, la física.
Actividad creativa
Después de saber un poco más sobre el teatro de sombras, conforma equipos de
trabajo para elaborar un mural de sombras cuya secuencia conformará una
historia.
Se tira el papel kraft en el piso y se dibujarán las siluetas humanas que se forman
a partir de las sombras que los participantes generen al colocarse en diversas
posiciones. La idea es que con cada una de estas posiciones vayan contando una
historia que los integrantes de cada equipo deberán acordar antes de comenzar la
actividad. Es deseable que las sombras se puedan generar en un espacio abierto
en horarios donde haya sol, y si no es posible, las sombras se pueden hacer a
partir de iluminación con lámparas. Mira algunos ejemplos:
Recuerda siempre permitir libertad de expresión y creación, elementos
indispensables del ingenio y la creatividad.
Cierre de sesión
Como conclusión del taller, pueden montar una exposición en la biblioteca con
todos los trabajos realizados, para que los visitantes puedan apreciarla y se
contagien de estas prácticas artísticas.
Es importante promover entre los participantes una charla de cierre, en la que
expresen cómo se sintieron en el taller, si algo cambió en ellos y qué les dejó
conocer estas nuevas formas de expresarse a través de la experiencia artística.