1. No category

Det
Jyske
2015
Johanne Lykke Poulsen:
[email protected]
www.johannelykke.com
www.jajaworks.com
Afgang 2015
Det Jyske Kunstakademi
Graduation 2015
The Jutland Art Academy
09
15
21
27
33
39
45
51
Sune Lysdal:
[email protected]
Stefan Bakmand:
[email protected]
Søren Krag:
[email protected]
Emilia Rosenkrantz:
[email protected]
www.emiliarosenkrantz.com
Julie Stavad:
[email protected]
www.juliestavad.dk
www.jajaworks.com
Nat Bloch Gregersen:
[email protected]
natblochgregersen.com
Mathias Tornvig:
[email protected]
Johanne Lykke Poulsen
Sune Lysdal
Stefan Bakmand
Søren Krag
Emilia Rosenkrantz
Julie Stavad
Nat Bloch Gregersen
Mathias Tornvig
Påvirkninger
Afgang 2015
The collective conscious knows,
that the experience of freedom is
always collaboration and
cooperation (Tantra quote)
Små håndlavede kobberskåle, en
overdimensioneret synål i rustfrit
stål, farverigt computermaleri,
dekorerede toiletruller og
indgraverede spejle på toilettet.
Dette er blot nogle af de værker,
der præsenteres på årets Afgang
15 med otte dimittender fra Det
Jyske Kunstakademi.
4
Materialernes forskellighed – fra
klassisk kobber til traditionel
skrald – afslører den spændvidde
som de unge kunstnere arbejder
inden for. Samlet set har de otte
kunstnere dog én ting tilfælles;
det er den kunstneriske undersøgelse, der er i fokus. Processen
med at skabe, mærke materialerne, sanse situationen, er langt
vigtigere end at nå et specifikt
sted hen med undersøgelsen. På
den måde harmonerer kunstnernes fokus med den ældgamle
indiske lære: det er ikke resultatet,
man skal fokusere på, men rejsen
derhen. Uvægerligt bliver en
Afgang dog et sted, hvor man
kigger efter resultater: hvad har
de studerende lært? Hvor dygtige
er de blevet på Akademiet?
Hvad er i øvrigt det nye lige nu?
Er der en tendens?
5
En traditionel uddannelse
handler primært om at lære et
specifikt stof, og til den endelige
eksamen skal de studerende i
faget gerne kunne pensum.
Som kunstner er det anderledes.
Man kan ikke uddanne sig til
kunstner, men man kan lære at
skærpe sanserne og at skabe
værker fra dette sted, hvorfra vi
alle oplever verden omkring os.
Billedkunst har traditionelt set
altid haft mest fokus på den
visuelle dimension, men hvis
man skal tale om en tendens, kan
man bemærke, at de studerende
har åbnet mere op for andre
sanser også. Der er fx flere
lydværker med på Afgang 15,
værker, der består af en stemme,
et åndedræt, af en sang eller af
ren støj. Og der er værker, hvor
det primært er følesansen, der er
blevet brugt til at skabe; fra
smukke store sæbeskulpturer
til kollektive kollaborationer i
publikumsfavnende værk- og
lydintense installationer. Denne
evne til at skabe sanselige
værker, som påvirker vores sind,
vores kroppe, vores fællesskab,
er en smuk kunst i sig selv.
Tillykke til Afgang 15.
Influences
Graduation 2015
Small, handmade copper bowls,
an oversized sewing needle made
out of stainless steel, colourful
computer paintings, decorated
toilet rolls, and engraved mirrors
in the lavatories. These are just
some of the works presented
at this year’s degree show,
Graduation 15, featuring eight
graduating students from the
Jutland Art Academy.
learning a specific curriculum,
and at their final exams students
should demonstrate that they
have successfully absorbed and
completed their course of study.
Things are different for artists.
You cannot train or educate your
way to becoming an artist, but
you can learn to hone your senses
and to create works from this
heightened position; a position
from which we all perceive the
world around us. Traditionally,
art has always focused mainly on
visuals, but if we are to speak of
any discernable trends at all we
might note that the students have
opened up to other senses, too.
For example, Graduation 15
includes several examples of sound
art: works that consist of a voice,
a breath, a song or of pure noise.
And there are also works that
have primarily been created on
the basis of our sense of touch:
these range from vast, beautiful
soap sculptures to collective
collaborations that invite and
envelop audiences, as well as
installations of great intensity,
including intensity of sound. This
ability to create sensuous works
that have a real impact on our
minds, our bodies, our way of
being together as a community is
a beautiful art in its own right.
The sheer diversity of the
materials featured here – ranging
from classic copper to media
that would usually be considered
garbage – demonstrates the
broad scope of the young artists’
work. Overall, however, the eight
artists share one particular trait:
an emphasis on artistic exploration. The process of creating,
of attuning oneself to one’s
materials, of sensing the situation
is far more important than the
question of reaching a particular
destination. In this sense the
artists’ focus is in keeping with
ancient Indian wisdom: don’t
focus on the results, but on the
journey. Even so, a degree show
will by its very nature prompt
visitors to look for results: what
have the students learned? How
good have they become at the
Academy? What is the latest
thing on the art scene right now?
Is there a definite trend? Most
forms of education are about
Congratulations, Afgang 15.
6
(f. 1989)
North, 2015
Johanne Lykke Poulsen
Johanne Lykke Poulsens
installation til Afgang 15 består af
cirkulære formationer, fine
materialer, og en særlig sfærisk
stemning – skabt af klangen
mellem vand, farve, rum, lys og
lyd. Naturens materialer såsom
sten, kobber og vand, samt lyden
af kunstnerens egen stemme, er
omdrejningspunkter i Poulsens
kunstneriske praksis. Med
hænderne ‘kultiveres’ disse
naturmaterialer, når hun slår små
kobberskåle ud i hånden, eller
indfarver hvid silke med te i
monokrome malerier, og med
stemmen synger enkle toner og
gentagende vers.
Vandet er et grundelement i
hendes praksis; hvordan kan
det flydende gøres konsistent,
hvordan manifestere noget
uhåndgribeligt? Den smukke
kobberring, der vises som del
af installationen på Afgang 15,
er fx fyldt med vand. Dette møde
mellem materialer er essentiel;
kobberet og vandet, musikken
og materialet, teen og silken;
9
Johanne Lykke Poulsen’s
installation for Graduation 15
consists of circular formations,
delicate materials and a distinctively ethereal atmosphere
– evoked by the harmonious
interaction of water, colour,
space, light and sound. Natural
materials – such as stone, copper
and water – and the sound of
the artist’s own voice are pivotal
elements in Poulsen’s artistic
practice. She uses her hands to
‘cultivate’ these natural materials,
for example when hammering
out small copper bowls by hand,
when dyeing white silk with tea to
create monochrome paintings,
and when using her voice to sing
simple tones and repeated verses.
Water is a fundamental element
in her work: how can the liquid
be made consistent, how can
something intangible be made
manifest? For example, the
beautiful copper ring shown as
part of the installation at Graduation
15 is filled with water. This meeting
of materials is essential: copper
and water, music and matter,
tea and silk; all these elements
become multi-layered explorations of encounters established
on the most delicate of foundations, in the most poetic and
minimalist manner imaginable.
In Poulsen’s works on canvas
Crystal power
water music, 2015
Pair, 2015
Water studies, 2015
Poem to the walls, 2015
10
Ring, 2015
Drop piece, 2015
11
Silk, 2015
det bliver som lagdelte undersøgelser af møder, der etableres på
det mest sarte grundlag, på den
mest poetiske og minimale facon.
I Poulsens billedværker på
lærred eller papir, hvor forholdet
mellem farve og vand undersøges
på monokromer, får farven lov
at stå alene, og mest af alt viser
værkerne vandets aftryk på
en flade. Man kan på flere måder
trække en fin linie til den amerikanske maler Agnes Martins
meditative malerier, som søgte
ind til det mest reducerede,
men alligevel stærkt sanselige,
udtr yk via repetitioner på
lærredet, og lod det enkle udtryk
skabe grobund for en dyb
sjælelig resonans.
Dette ophøjede aspekt fornemmes
også i Poulsens værker, hvor
lyset, vandet, kobberet og lyden
tilsammen resonerer i og omkring
de udstillede genstande, og
hvor det netop er den rungende
klang samt udvekslingen mellem
musikken og materialet, der er
praksissens sanselige fokus.
12
or paper – which explore the
relationship between colour and
water in a range of monochromes
– each colour is allowed to stand
alone; more than anything, these
works show the imprints made
by water on a surface. In many
ways, parallels can be drawn
between Poulsen’s art and the
meditative paintings of the
American artist Agnes Martin,
whose works strove to reach
the most rarefied, reduced, yet
strongly sensuous modes of
expression possible via repetitions on the canvas, allowing the
resultant simplicity to resonate
deeply with the human soul.
A similar sense of something
exalted can also be felt in Poulsen’s
works, where light, water, copper
and sound combine to resonate
with and around the objects
on display: these pealing echoes
and the exchanges that take
place between music and matter
constitute the sensuous nexus
of her artistic practice.
Uden titel (spejl)
2015
(f. 1985)
Uden titel (trappe)
2015
Sune Lysdal
Parasitten er en snylter, en der
kobler sig på en eksisterende
organisme og lukrerer på den.
Den tager uden at give, svækker
uden at dræbe. Men parasitten
er også støj i et givent kommunikationssystem – den skaber
forstyrrelser i en eksisterende
orden. Denne definition af
parasitten er inspireret af den
franske teoretiker Michel Serres
(Parasite, 1997), og man kan på
flere måder anskue Lysdals
stedspecifikke installationer som
parasitiske i forstanden; støj i
det allerede givne system. Dels
arbejder Lysdal helt konkret
med både støj og stilhed i sine
lydværker, dels arbejder han
ved at bryde ind i hele organismer (det som kaldes værten)
og ændrer på systemet indefra.
Fx har han til Afgang 15
afmonteret de oprindelige spejle
på toiletterne på Kunsthal
Aarhus, og erstattet dem med
nogle andre. De nye spejle bærer
indgraveringer, som koder, der
på forskellig vis arbejder med
A parasite latches on to other
organisms and feeds from them
without offering any reciprocal
benefit. It takes without giving,
weakens without killing. But
parasites can also be noises
within a given communication
system – disrupting a given
an existing order. This definition
of parasites is inspired by the
French theorist Michel Serres
(Parasite, 1997), and it is certainly
possible to view Lysdal’s site specific installations as parasitic
in the sense that they introduce
noise into a given system. Lysdal
quite specifically works with
noise and silence in his works,
and he also takes the approach
of breaking into whole organisms
(the so-called ‘hosts’) to change
systems from within. For Graduation 15, for example, he has taken
down the original mirrors in the
lavatories at Kunsthal Aarhus,
replacing them with others. The
new mirrors feature engravings;
codes that correlate to the
parasite in various ways – either
15
Uden titel (spejl), 2015
Speaker instrument, 2014
16
17
Uden titel (spejl), 2015
Speaker instrument, 2013
Razzel Dazzel Brancusi, 2012
parasitten. Enten som collage
eller ved brug af den visuelle
side af de programmer han
skaber sine lydværker i, som
fx open source-programmet
Pure Data Music.
as collages or as expressions of
the visual aspects of the software
Lysdal uses to create his sound
works, e.g. the open source
software Pure Data Music.
På trappen ned til afgangsudstillingen har kunstneren installeret
sit andet værk – et stedsspecifikt
lydværk. Værket er komponeret
ud fra længden af væggene i
kunsthallens lokaler, hvor
væggenes centimeter er transformeret til såkaldte sin-waves,
som skaber forskellige tonaliteter.
Disse lyde akkompagneres
af forskellige lyde fra klassiske
transportmidler, som fx gamle
sporvogne. Lysdal har også
arbejdet med andre lyde – særligt
lyden af stål (fra maskingeværer
til gongs), og arbejder lige så
meget med stilheden som med
støjen i sine lydværker. Lydværkerne kræver, at man dvæler
ved dem, slår ørerne ud, og lader
værket vokse i øret.
I Kunsthal Aarhus skaber
kunstneren en konceptuel
lydsituation, hvor transporten
fra den øvre etage til den nedre
vil blive akkompagneret af
lyde, som man ikke kan vælge
fra. En metode, der igen kan
kaldes parasitisk: han kobler
sig på vores øregang med
sanselig stimuli, som vi ikke
kan undslippe.
18
The artist has installed his second
work in the staircase leading
down to the degree show – a site
specific sound work. The work
has been composed on the basis
of the dimensions of the walls
at the venue: here, centimetres
have been transformed into
so-called sine waves, thereby
creating different tones and
sounds. These aural elements
are accompanied by various
sounds made by traditional
modes of transport such as old
trams. Lysdal has also worked
with other sounds – especially
the sound of steel (from machine
guns to gongs), and he works as
much with silence as with noise
in his sound works. These sound
works require visitors to linger,
to open their ears and allow the
work to grow as they listen.
At Kunsthal Aarhus the artist
creates a conceptual sound situation
where the transition from the upper
floor to the lower will be accompanied by sounds that you cannot
opt out of hearing. A method
that might also be described as
parasitic: he latches on to our
ear canal with sensory stimuli
that we cannot escape.
Stefan Bakmand
(f. 1988)
Alt det, de fleste betegner som
skrald; madpapir, kaffefiltre,
tomme toiletruller og pap,
bruger Stefan Bakmand til sin
kunst. Han tegner mønstre med
en sort fortættet tuschstreg
på toiletruller; æstetiserer og
dekorerer dem, han skriver
poesi på kaffefiltre med gamle
skrivemaskiner, og han skriver
og tegner kalligrafi på pap. Det er
alt det billige og overflødige slags
papir, dét som er skabt til at bruges
og smides væk, som Bakmand
anvender som grundmateriale.
Tegnene og tegningens mønsterdannelse tager udgangspunkt
i både oldnordiske runer, kinesisk
kalligrafi og egyptiske hieroglyffer. Dermed bliver det ikonografiske ved sproget fremhævet,
og den optiske dimension ved
sproget udstilles. Sproget selv
21
What most would regard as
garbage – food wrappers, coffee
filters, empty toilet paper rolls
and cardboard – is used by Stefan
Bakmand in his art. He adorns
toilet rolls with patterns executed
in dense, black ink, transforming
them into aesthetic, decorative
objects; he writes poetry on
coffee filters by means of old
typewriters, and he writes and
draws calligraphy on cardboard.
Paper of the cheapest kind,
inherently redundant, made to
be used and immediately
discarded: that is the kind of
paper which Bakmand uses as
his raw material.
The patterns created by Bakmand’s
signs and drawings take their
point of departure in Scandinavian
runes, Chinese calligraphy and
Egyptian hieroglyphics. The
iconographic aspects of language
are accentuated, its optical
dimension foregrounded. The
actual content is written in
small, carelessly stapled booklets:
poems written in a kind of
automatic writing, or repeated
phrases such as Stefan Bakmand
is dead. There are poems about
the limitations inherent in
language itself: about using
words to wallow in words that
will sometimes capture and
arrest wild thoughts, but
22
23
skrives i små skødesløst
sammenklipsede hæfter, digte,
som enten er skrevet som en
slags automatskrift, eller som
repetitive fraser, som Stefan
Bakmand er død. Digte, der
omhandler sprogets egen grænse
for at udtrykke sig: med ord
vælter man sig i ord, som nogen
gange stopper den vilde tanke,
og andre gange forvilder den
yderligere.
Til Afgang 15 har Bakmand skabt
en installation, hvor hæfterne er
spredt på bordet, så man kan
bevæge sig rundt om bordet,
bladre, læse, forvilde sig ind i
universet; det er ingen statisk
installation, som blot skal kigges
på, den kræver et kropsligt
engagement. Og kroppen er på
flere måder også indskrevet i
Bakmands æstetik. Tegningerne
på væggen ser han selv som en
slags kirurgiske snit ind i
overfladen, og papiret behandles
grundlæggende som en slags
hud, hvorpå der tatoveres
mønstre, ikoner og tegn.
Fascinationen af det på én gang
old school og langsommelige
– pennen på papiret, de gamle
skrivemaskiner og hæftemaskiner – skaber et univers som
(udover at afvise det digitale)
insisterer på, at skønheden kan
findes i skraldet, og at meningen
også findes i det uforståelige.
24
sometimes make them even
wilder or more lost.
For Graduation 15 Bakmand has
created an installation which
features his booklets scattered
on a desk. Visitors can move
around the table, leaf through
the pages, read them, lose
themselves in this universe.
This is no static installation
intended merely for observation;
it requires us to engage with it
physically, with our bodies. Indeed,
the human body is inscribed in
Bakmand’s aesthetics in multiple
ways. He himself regards the
drawings on the wall as surgical
incisions made into the surfaces
of things; the paper is essentially
treated as a kind of skin onto
which the artist tattoos patterns,
icons and signs.
The artist’s fascination with old
school, slow-paced media and
equipment – pen on paper, old
typewriters and staplers – gives
rise to imagery that not only
rejects the digital realm, but
also insists that beauty can be
found in garbage, and that
meaning may also be found in
the incomprehensible.
Søren Krag
(f. 1987)
Søren Krag arbejder med et
særligt visuelt sprog i sine
malerier, der sammenfører
normalt adskilte elementer; det
digitale og det mytiske. Dette
maleriske univers er skabt
på computeren, men er alligevel
helt lo-fi, og viser en form for
ornamentik, der både er storslået
i detaljen og kitschet i udtrykket.
Her fyldes alle huller ud i en
horror vacui-tilgang til fladen,
og viser kunstnerens inspiration
fra et mytisk, rituelt og spirituelt
reservoir.
Søren Krag employs a distinctive
visual idiom in his painting,
bringing together elements that
are usually quite disparate: the
digital and the mythical. This
painterly world is created by
means of a computer, yet remains
entirely lo-fi, evincing a form of
ornamentation that is magnificent in all its profuse detail while
also rather kitschy in its overall
feel. All empty spaces are filled
in; a horror vacui-like approach to
the treatment of surfaces that
also reveals how the artist draws
inspiration from reservoirs of
myth, ritual and spirituality.
Søren Krag har til Afgang 15
skabt et rumligt kabinet af tre
malerier med hver sin ramme.
De store vægtapeter er malerier
lavet i Microsoft Paint, der kan
forekomme som et farve-virvar,
men som alligevel besidder en
vis balance og symmetri. Man
kan på flere måder trække tråde
til den danske Cobra-tradition,
hvor vildskaben i farven var lige
så intens, som fladen var mættet
med maling. Cobra-kongen
Asger Jorn var i øvrigt også
optaget af netop mytiske figurer,
der ofte optræder i hans værker.
Og beskrivelsen af cobra-maleren
Erling Jørgensen (i Virtus
Schades bog: Cobra – fra hoved
til hale, 1971) rammer Krags
malerier på en temmelig præcis
måde: „Det er ikke ’fint’ at bruge
27
For Graduation 15 Søren Krag
has created a three-dimensional
cabinet consisting of three
paintings, each set in its own
frame. The large murals are
paintings created using Microsoft
Paint, and they may seem to be
riotous proliferations of colour,
but nevertheless they possess
a certain balance and symmetry.
It is possible to draw numerous
parallels between Krag’s work
and the Danish Cobra tradition,
where the intense colours
were as wild and unbridled as
the surface itself was densely
saturated with pigments. The
king of Cobra, Asger Jorn, was
also fascinated with mythical
creatures and often featured
28
29
farven lilla i et maleri, .. og
hans billeder er ikke store logiske
kompositioner, de er spraglede, og
balancen får man ikke øje på lige
med det samme. Men hurtigt
opdager man, hvor rigtigt han
bruger de stærke og anderledes
farver, og hvor logisk det hele
falder på plads i maleriet. Han
har bare spændt farverne en hel
del grader højere op, end vi er
vant til, …De ejer noget mystisk,
noget kultisk.”
Og man kan endda sige, at
det netop er modsætningen
mellem det profane og det
sakrale, mellem den digitale
fil og det mytiske stof, der
skaber en interessant spænding
i Krags ornamenterede
computermalerier.
Tak til:
them in his works. And this
description of another Cobra
painter, Erling Jørgensen (from
Virtus Schade’s book Cobra –
fra hoved til hale, 1971) also
serves as a very accurate
portrayal of Krag’s paintings:
„Using the colour purple in a
painting is not considered ‘proper’,
... and his paintings are not large,
logical compositions; they are
gaudy, and their balance is not
immediately apparent. However,
you soon realise how the artist
uses the bright, alternative colours
in ways that are utterly right,
and with what logic everything
falls into place in his painting.
He has simply dialled up the
colours quite a few notches higher
than we are used to, … They have
a certain mysterious quality,
something cultic about them.”
One might even say that the
contrast between the profane
and the sacred, between the
digital file and the mythical
subject matter, is what creates
such interesting tensions
within Krag’s ornate computer
paintings.
Titel: Make fruits cascade down and their
sweet aroma fill the air on the sea of apple
trees at the foot of Chol Pass, 2015
30
(f. 1986)
Nr. 146
Emilia Rosenkrantz
Med udgangspunkt i sin personlige historie om en omflakkende
opvækst viser Rosenkrantz
til Afgang 15 en video-installation,
hvor hun har genbesøgt alle
sine mange barndomshjem.
Installationen indeholder ikke
kun gamle tv-monitorer, men
også en ovn. Ovnen repræsenterer den følelse af hjem(lighed),
som vi alle længes efter, og
måske endda husker at have
erfaret i vores barndom. Blandt
det mest mindefremkaldende
hos et menneske er nok netop
duftene fra køkkenet. Kan man
opleve den følelse igen ved at
genbesøge sine barndomshjem?
Eller er den noget, der for
evigt kun kan mindes?
Ved brug af en dokumentarisk
stil, blandet med en personlig
narrativ, bliver Rosenkrantz’
værk større end den private
beretning og kommer til at
omhandle noget, som intet
menneske kan undslippe: vores
oprindelses sociale betydning
og identitetsprægende funktion.
33
Taking her point of departure
in her personal history and a
childhood spent in numerous
different homes, Rosenkrantz’s
contribution to Graduation 15
is a video installation that shows
her revisiting all her many
childhood homes. The installation
not only incorporates old TV
monitors, but also an oven.
The oven represents the sense
of home and homeliness we all
yearn for, and may even have
experienced in childhood. The
smell of cooking and kitchens
are amongst the most powerful
evokers of memory. Can you
re-experience the sense of feeling
at home by revisiting your
childhood homes? Or is that
sense of belonging something
that is forever consigned to
being just a memory?
Employing a documentary style
mixed with a personal narrative,
Rosenkrantz’s work becomes
something more than a strictly
personal narrative. It comes to
address something that no
human being can escape: the
social impact and formative
function of our origins. Thus, the
work is about social stigma and
about how architecture can
mentally affect our growing up.
Indeed, this is the subject that
truly captures the artist’s
Embelgasse, 2015
Jernbanevej, 2015
Kollegiet, 2015
Embelgasse, 2015
Højager 146, 2015
Fungis færgen, 2015
Mejlgade, 2015
Amager, 2015
Nørrebrogade, 2015
NV, 2015
34
Mølvang, 2015
35
Det kommer til at handle om
social stigmatisering og arkitekturens mentale påvirkning af
vores opvækst. Det er i det hele
taget dette område, der interesserer kunstneren; kulturens
påvirkning af vores identitetsskabelse, traditioners indflydelse
på sociale processer og
forholdet mellem de forskellige
samfundslag.
Dette er ikke nyt i kunsten, men
noget som særligt i litteraturen
har været et genkommende
emne. Der er således litterære
forbindelser til både aktuel
hjemstavns- og udkantslitteratur,
og Marcel Prousts På Sporet af
den Tabte Tid (1913). I forfatteren Elsa Gress’ erindringsbog
Mine mange hjem (1971) er det
beskrivelsen af de mange hjem,
der skaber rammen om den
personlige udviklingshistorie.
Hjem, som danner og skaber
de mennesker, der bor i dem.
Den litterære forbindelse
i Rosenkrantz’ værk stammer
netop fra det narrative niveau i
filmen – hvert hus bliver en
brik i en større fortælling, som
vi ikke helt kan gribe eller
forstå – men som vi måske
kan sanse…?
Undervejs i udstillingsperioden
vil Rosenkrantz bage boller og
kager i ovnen til de besøgende
i udstillingen.
36
interest: how culture affects our
identity and formation, how
traditions influence social
processes, and the relationships
between various strata of society.
Of course this is not a new subject
in art, but quite a recurring
theme – especially in literature.
The work encompasses hints and
references pointing to contemporary (regional) literature about
home and about living on the
outskirts, as well as to Marcel
Proust’s In Search of Lost Time
(1913). In the memoirs of Danish
writer Elsa Gress, Mine mange
hjem (My Many Homes) (1971),
her descriptions of her many
homes create the framework
and setting for her narrative of
personal growth and evolution.
Homes that shape and make
the people who live in them. The
literary allusions in Rosenkrantz’s
work have to do with the narrative
level of the film – each house
becomes a piece in a wider
narrative that we cannot entirely
grasp or understand – but we
might be able to sense it…?
Over the course of the exhibition
period Rosenkrantz will occasionally use the oven to bake bread
and cakes that will be served to
the exhibition’s visitors.
Julie Stavad
(f. 1986)
Som billedhugger arbejder Julie
Stavad med hænderne helt nede
i forskellige materialer og med
forskellige afstøbningsteknikker.
De klassiske og ædle støbematerialer som marmor og bronze,
er hos Stavad erstattet af noget
mere jordnært som stål, sæbe,
sand og ler. Og hendes støbeforme kan både være plasticposer,
stof og papkasser eller, som
aktuelt, hvor hun arbejder med
husholdningsgenstande som fx
gryder og skåle, opvaskefade,
baljer og vaser.
Formene fungerer som analogier
til et hverdagsligt univers, hvor
kroppen indskrives som konkrete
tegn i skulpturerne. Fingeraftryk
kan være præget ind i leret, eller
skulpturer kan skabes af fodsåler,
som fx stakken af fodsåler i stål.
Hun arbejder med en forventnings-forskydning i det taktile
element: det bløde er gjort stift
og hårdt, og det hårde får en
39
As a sculptor, Julie Stavad plunges
her hands deep down into a
range of materials and employs
various casting techniques. In
Stavad’s work, the noble materials
traditionally used for casting,
such as bronze and marble, have
been replaced by rather more
mundane media such as steel,
soap, sand and clay. Her moulds
can be plastic bags, fabric,
cardboard boxes or, or as in her
current works, household
implements such as pots and
pans, bowls, dishwashing
bowls and vases.
Her chosen moulds act as
analogies pointing towards a
mundane, everyday-like realm;
one where the human body is
inscribed in the sculptures via
specific signs. Fingerprints can
be left in the clay, or sculptures
can be made out of footprints
– such as her pile of steel insoles.
She sets up, frustrates and shifts
expectations in her usage of
tactile elements: what should be
soft has been made hard and
unyielding, and what should be
hard is given a porous surface,
as is evident in e.g. her many
soap sculptures.
The same also applies to the
sculptures on display as part of
Stavad’s installation at Graduation
Kast flere ting på bordet
Sålstakke i Stål (10 par
skosåler i rustfrit stål), 2015
En ligevægt mellem en villen og væren
Den jordbundne konsekvens i presset
Dump (funden mursten med hul
og lædersnørebånd), 2013
The needle that broke your back
(3d-scannet synål), 2015
Massiv (sæbe støbt i sand), 2014
40
Hvor blev hånden af?
41
porøs flade, som det fx ses i
hendes mange sæbeskulpturer.
Dette gør sig også gældende for
de skulpturer, der vises som del
af Stavads installation på Afgang
15: en overdimensioneret synål i
stål, stentøjsler med glasur skabt
som håndgreb på væggen og
store runde sæbeskulpturer, der
akkurat balancerer med deres
tyngde på gulvet. Balance synes i
det hele taget at være et fokus i
Stavads praksis: hvordan kan en
sæbeskulptur balancere i rummet,
og en synål hvile op ad væggen?
Hvordan kan tyngden synes fin
og elegant, og det lidne – som en
synål – blive kompakt og skulpturel?
Disse skalaforskydninger bliver
grundlæggende elementer i den
skulpturelle undersøgelse, som
Stavad iværksætter, hvor de
klassiske feminine og maskuline
symboler og kvaliteter i skulpturen ændrer karakter. Symboler,
der er indlejret som kulturelle
koder i de figurer, der støbes:
synålen, der henviser til det
feminine håndarbejde, har her
mistet sin effekt og er blevet
massiv og stor i rummet, sæben,
som vi vasker vores legeme med,
er nu blevet til kunstgenstand. På
den måde er kroppen indskrevet
i skulpturerne, som en analogi til
skulpturernes materiale, men
også til deres motivs placering i
vores fælles kulturhistorie.
42
15: an oversized sewing needle
made out of steel, glazed
stoneware formed as handles
on the wall, and large, round
soap sculptures that balance their
mass on the floor with just about
balance. Indeed, balance seems
to be a focal point in Stavad’s
practice: how can a soap sculpture
be brought to a state of equilibrium inside this room, how can a
sewing needle be brought to rest
up against the wall? How can
mass and heaviness be made to
seen daintily delicate and elegant,
and how can something petite
– like a sewing needle – be made
compact and sculptural?
Such shifts and disruptions of
scale become basic elements
of the sculptural explorations
carried out by Stavad; explorations that see classically feminine
and masculine symbols and
qualities of the sculpture change
their very nature. Such symbols
are embedded as cultural codes
in the figures cast: the sewing
needle, a reference to feminine
crafts, has lost its practical
purpose, growing huge; the soap
that we use to wash our bodies
has become a work of art. In this
manner the body is inscribed
into the sculptures, offering an
analogy to the materials featured
in the sculptures, but also to how
their subject matter is embedded
in our common cultural history.
Nat Bloch Gregersen
(f. 1986)
Digital skitse, 2015
Nat Bloch Gregersen creates
intimate spaces. Taking her point
of departure in her own voice,
her breath and her poetry she
conjures up spaces of great
intimacy, often involving many
different materials and tactile
surfaces that are combined to
form total immersive environments.
Det er et intimt rum, Nat Bloch
Gregersen skaber. Med udgangspunkt i sin egen stemme, sin
vejrtrækning og sin poesi, skaber
hun intime rum, der ofte
akkompagneres af forskellige
materialiteter og stofligheder i
samlede iscenesættelser.
Til Afgang 15 er disse både taktile
og lydlige dimensioner sat helt
enkelt i spil. Luftstrømme
genereret af en krop vil indgå
som et lydelement i en samlet
installation, der også indbefatter
visuelle værker, der bl.a. arbejder
subtilt med farvespektret.
Lydværket, genereret af åndedrætsfunktionen, peger ud over
sin egen enkle intimitet mod
mere universelle respiratoriske
fænomener som fx vinden,
der blæser.
45
For Graduation 15 these tactile
and aural dimensions are brought
into play in a very simple manner.
Flows of air generated by a body
contribute to a sound element to an
installation that also incorporates
visual works, which in turn take
a subtle approach to the colour
spectrum. Generated by the
act of breathing, the sound work
points beyond its own simple
kind of immediacy towards more
universal respiratory phenomena,
such as the wind blowing.
Gregersen’s practice is about
creating a sense of immediacy
and presence by means of some
of the most fundamental things
we have: body, breath, desire.
She lets the vibrant, living body
meet the physical world. Lived
life and real experience springs
from such meetings – between
matter and the senses – and for
this reason Gregersen speaks
simultaneously to several senses.
In her installation a range of
Materialeskitse (tekstil), 2013
Materialeskitse (tekstil), 2013
Skulpturskitse (tekstil i vand), 2014
46
Uddrag fra: Om Konsistenser, ANTI-ASGER, 2014.
47
I sumpen udspilles et drama; en
tvivlsom affære i triolektisk monologi,
ANTI-ASGER, 2014
materials are staged alongside
the sound part. Here, the sound
of breathing becomes the link
that connects the two – often
separate – spheres.
Gregersens praksis handler om
at skabe et nærvær med det
mest basale vi har; kroppen,
åndedrættet, begæret, og at lade
denne vibrerende levende
krop møde den fysiske verden.
Det er i dette møde – mellem
sanserne og materialiteten – at
den levede erfaring udspringer,
hvorfor Gregersen taler til
flere sanser simultant. I hendes
installation iscenesættes forskellige stofligheder sammen
med lyddelen. Og her bliver
lyden af vejrtrækningen forbindelsesleddet imellem de to ofte
adskilte sfærer.
Objektskitse
(tekstil på skum), 2015
Helt essentielt er Gregersen
optaget af at finde og skabe
plads i verden, hvor man kan
ånde, gennem det at tillade
begæret, kroppen og tingene
at interagere, og at lade det
skabende begær få lov at udfolde
sig. Hos Gregersen udtrykkes
dette ikke alene med ord eller
billede, men også som ren lyd,
og måske er det netop rummet,
der vibrerer imellem disse
sanse-sfærer, der er åbningen
ind til erkendelsens rum?
Essentially, Gregersen is
interested in discovering and
making spaces in the world
where you can breathe – and,
through breathing, allow desire,
body and objects to interact,
letting creative impulses and
desires unfold. In Gregersen’s
practice this is not expressed
through words or images alone,
but also as pure sound. And
perhaps the space oscillating
somewhere between these
two spheres of sensory input
offers a place of new awareness
and insight?
48
Mathias Tornvig
(f. 1991)
I den franske filosof Georges
Batailles værk Erotikken (1957)
beskrives det, hvordan forholdet
mellem arbejdet, festen og
legen hænger sammen:
„Arbejdet fordrer en fornuftig
adfærd, hvor de tumultuøse
bevægelser, der slippes løs i festen
og i legen alment, ikke hører
hjemme. Hvis vi ikke kunne
betvinge disse bevægelser, ville vi
ikke være egnet til at arbejde,
men arbejdet giver os netop en
grund til at betvinge dem.”
Disse – i vores civilisation – adskilte
kategorier som produktion, fest,
leg og erotik er i Mathias Tornvigs
installation til Afgang 15 i opløsning.
Ifølge Bataille er festen nødvendig for, at udladning af ophobet
energi kan finde sted, hos
Tornvig er legen og festen del
af det produktive miljø, hvor
fællesskabet råder. Under navnet
ProLab skaber Mathias Tornvig
en samlet publikumsinviterende
installation, der består af et
sofamøblement, en messestand,
en række instrumenter og et
computerspil. Den besøgende
inviteres på den måde til at
være medskaber af et værk, der
undervejs akkumulerer og
ændrer sig i forhold til interaktionen. ProLab består også
af andre elementer; en video af
græs, der bliver slået,
51
In his L’Erotisme (Erotism) (1957),
the French philosopher Georges
Bataille describes the relationship between work and play:
„Work demands the sort of conduct
where effort is in a constant ration
with productive efficiency. It
demands rational behaviour
where the wild impulses worked
out on feast days and usually in
games are frowned upon. If we
were unable to repress these
impulses we would not be able to
work, but work introduces the very
reason for repressing them.”
Categories such as production,
feast days, games and eroticism
– which are distinct and separate
in our civilisation – seem to be
dissolving in Mathias Tornvig’s
installation for Graduation 15.
According to Bataille, feast days
are necessary as outlets for
accumulated energy, and in
Tornvig’s work games, play and
feasting are part of a productive
setting where the community
holds sway. Working under the
name ProLab, Mathias Tornvig
creates an immersive installation
comprising a sitting area, a stand
of the kind found at trade fairs, a
number of instruments and a
computer game. Visitors are
invited to be co-creators of a
work that grows and accumulates
over time, changing in response
kaffekopper skabt af Julie Stavad,
fire håndlavede pastiche-malerier
over Søren Krags computermalerier etc. Interaktionen med
både publikum og de øvrige
afgangselever er betegnende for
den generøse tilgang til kunst,
som Tornvig repræsenterer:
i en storslået gestus, der åbner
armene ud til fællesskabet, lader
Tornvig den frihed, der opstår
i opløsningen af kategorierne,
få liv og råderum.
Begrebet frihed er interessant
i forhold til Tornvigs praksis,
der også inkluderer liveperformances, tegneserier og
tekstbaserede værker. Noget
af det, der ifølge Bataille, gør
mennesket evigt søgende,
lidende, er nemlig den diskontinuerte tilstand, i hvilken
vi fødes: vi fødes som separate
individer, men i det øjeblik
vi skabes, er der tale om en
sammensmeltning, en kontinuitet.
Som Bataille skriver: „Formeringen
sætter diskontinuerte væsener på
spil…. Mellem et væsen og et
andet er der en afgrund, der er en
diskontinuitet.” Og det er denne
diskontinuerte tilstand, som vi
alle længes efter skal ophøre;
vi længes mod sammensmeltningen, samhørigheden, opløsningen
af vores individualitet. „Vi længes
tilbage mod den tabte kontinuitet.”
… ”Samtidig med at vi fulde af
52
to audience interaction. ProLab
also includes other elements: a
video of a lawn being mown,
coffee cups made by Julie Stavad,
four hand-painted pastiches
based on Søren Krag’s computer
paintings, etc. Such interaction
with visitors as well as with the
other contributors to this
exhibition is typical of the
generous approach to art that
Tornvig represents: in a grand
gesture that embraces and
invites the wider community,
Tornvig breathes life into the
sense of freedom that arises
when categories are dissolved.
The concept of freedom is
interesting in connection with
Tornvig’s practice, which also
includes live performances,
comic books and text-based
works. For according to Bataille,
one of the things that causes
humanity to eternally seek
something, and eternally suffer,
is the state of discontinuity into
which we are born: we are born
as separate individuals, but the
moment of our creation is a
moment of merging, of continuity. As Bataille says: „Reproduction
implies the existence of discontinuous beings … Between one being
and another, there is a gulf, a
discontinuity.” And we all yearn
for this state of discontinuity to
end; we long for merging,
53
angst begærer dette forgængeliges
varighed, er vi besat af tanken om
en oprindelig kontinuitet, der
atter forbinder os med den almene
væren.”
cohesion, for our individuality
to dissolve. „What we desire is to
bring into a world founded on
discontinuity all the continuity
such a world can sustain.”
Afgang 2015
Det Jyske Kunstakademi
I Tornvigs skrifter og installation
er der en dyb filosofisk stemning
til stede midt i de mange
elementer, og midt i støjen fra
enten musikinstrumenter eller
heavy metal-udblæsning, og det
handler om ydmygheden ved at
slippe kontrollen – også som
kunstner – og lade noget andet
og nyt opstå i det fælles møde.
In Tornvig’s writings and
installations a deep, philosophical
atmosphere is present in the
midst of the many elements, and
amongst the noise made by
musical instruments or loud
heavy metal. An atmosphere
concerned with the humility in
relinquishing control – as an
artist, too – allowing something
new and different to arise in the
encounter with others.
Kurator og redaktør:
Maria Kjær Themsen
Rektor:
Jesper Rasmussen
Alle tekster skrevet af:
Maria Kjær Themsen
Dansk korrektur:
Tine Brodersen
Engelsk korrektur:
Christopher Sand Iversen
Engelsk oversættelse:
René Lauritsen
Grafisk Design:
Line-Gry Hørup
Tryk:
Narayana Press
Oplag:
400
Uddrag fra: there is and
maybe, This is, 2013
(med Mike Sprout)
54
Brudstykke af maleriet:
Soren-Krag-PasticheHandcrafted, 2015
Kunst
akademi